第十八章：教你当导演 (第1/2页)

拍戏该怎么拍？
　　
　　想怎么拍就怎么拍。
　　
　　拿这个问题问国内导演，恐怕就会得到这个答案，但更多的还是“复杂”“挠头”“去死”“逗人玩讷”。
　　
　　在开心看来，拍摄的流程问题就是最简单的，“一开始，然后，再然后……”甚至可以去参考小学劳动课本《如何折纸鹤》。
　　
　　就像折纸鹤一样，虽然简单，却也有多道折叠过程。
　　
　　从最开始的准备到第一个镜头喊“action”并非一蹴而就，这其中需要经历多重步骤。
　　
　　“中央车站”第一组镜头，就是中年的阿朵在中央门汽车站里替来来往往的人写书信，背后是一群群来来往往的行人，永远都是急匆匆各行各事。镜头前，却有一个个客人坐下，用丰富的表情或开心、或沮丧、或伤心、或憎恨的说着自己的话。
　　
　　斯琴高娲饰演的阿朵就是那个记录者，手中的圆珠笔不断写字，机械的写字，一成不变……
　　
　　就这一小段内容，短短的几分钟戏份，也是充满着故事的。
　　
　　开心明白自己的优、劣势所在，不管理论知识多么丰富，对初次执掌导筒的菜鸟导演而言，是没有机会能亲自感悟消化多少经验的。
　　
　　所以开心坚决按照程序来，不搞特殊化，在学会跑之前得先学会走路。
　　
　　也许会和你想的不一样，最开始的步骤不是布置、不是打灯，而是走戏。这是导演和演员的工作。
　　
　　这时候，所有的人都应该在现场，熟悉这个片段的剧情，熟悉每一句台词。这样，摄影才能抓到更好的角度，录音才知道话筒在哪里才能跟着演员，不漏掉每一句话。
　　
　　其次，码位。
　　
　　初次演戏的演员，在开机后会不知道该怎么走动，怎么去面对镜头，开心必须教会他们这些。大概在演员走了两次之后，表演的方式固定了，他再调整一些细节。然后就需要由场工或者摄影助理开始贴地标，也就是通常说的码位置。
　　
　　码的具体位置，是演员表演开始，结束，和中间停顿的各个点。具体方法是用大力胶贴在演员站着位置的两脚之间。这样做的好处，第一是帮助演员控制节奏，第二是协助演员做到不同次的表演基本相同，方便不同机位剪辑；第三是摄影组跟焦（跟焦是什么，不解释）。
　　
　　也许经验丰富的演员不需要这个，可在这部电影里，这种笨拙的方法是再合适不过。
　　
　　第三步，定构图走起。
　　
　　现在越来越多的故事片已经不画分镜头剧本了（好吧，是除了广告都不画了），这时候就是摄影指导发功的时候——当然了，摄影指导要么请好的，再请不来大师之前，开心觉得还是自己兼任比较放心。
　　
　　早早定下构图，灯光师才能打光，道具组才能布置场景，因为他们看到的影像，是监视器里看到的那种经过摄影机加工的图像，和人眼不一样。
　　
　　按图索骥。
　　
　　如果是运动镜头，则定构图需要定两次，即起幅和落幅度。
　　
　　任何在定构图之前要灯光组打光的摄影都是耍流氓：“给你打，给你打，打好了穿帮怎么办，你负责呀？重新给你挪吗，你谁呀你？”笨重的灯光、录音设备，零碎的都能装了一大车厢。这玩意儿体力不好的，还真玩不起来。如果没有合适的配合，就会愈发显得场面混乱。
　　
　　在香港，灯光师有“灯爷”之称，有句行话叫“得罪谁也别得罪灯爷”，万一他打光的时候给你暗淡一点，到时候成片黑乎乎一片，绝对让你哭都没地方哭。其重要地位不言而喻。但开心觉得，这也跟香港绝大多数电影没有规范化的提前构图有关，在那个追求效率的年代，连剧本都是现写，如何能让灯光师好好工作呢。
　　
　　而在这个时候，演员就可以休息了，取而代之的应该是光替。
　　
　　这不是只有拍摄明星时候需要注意的，不管多小的剧组，这时候都不应该让演员站在画面中作为打光的参考，因为演员的情绪很容易被身边大呼小叫忙来忙去的灯光师傅们影响，而且长时间站立，演员会麻木，不利于表演。长时间被灯光烤，会有些呆滞，也会不停要补妆。
　　
　　

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